Hoy tocaba enseñar el “ADN” del arquetipo Guerrero… pero no con un diagrama aburrido, sino con lo que de verdad importa en mesa: sus cartas iniciales comunes.
En Sangre y acero en Hiboria, cada arquetipo empieza con un mazo pequeño, reconocible, casi humilde. La idea es muy deliberada: que tu personaje no llegue siendo una leyenda, sino alguien que se fabrica a base de golpes, decisiones feas y mejoras ganadas a cuchillo. Por eso el Guerrero arranca con 8 cartas base del arquetipo y, además, el personaje que elijas añade 2 cartas exclusivas. Total: 10 cartas. Un mazo que cabe en la mano, que cicla rápido y que te obliga a jugar “a cara descubierta”.
Deckbuilding, pero con barro en las botas: empiezas con poco, robas, juegas, sobrevives… y poco a poco vas comprando, ganando o sustituyendo cartas para convertir ese mazo inicial en tu forma de pelear. No es “me construyo un motorcito en silencio”; es “me construyo un estilo mientras el mundo intenta arrancarme la cabeza”.
Con 10 cartas iniciales, el ritmo es brutal: si tu mano típica es de cuatro cartas, en dos turnos ya has visto casi todo el mazo, y en nada estás reciclando. Eso hace que el Guerrero se sienta como debe sentirse: directo, consistente, de repetición rápida, sin necesidad de esperar diez rondas para “arrancar”.
Ahora, lo divertido: las cartas que estás viendo aquí son precisamente el tipo de herramientas que definen al Guerrero desde el minuto uno.
GOLPE es la piedra angular. No hace falta poesía: inflige daño, punto. Pero la gracia está en el detalle: si el enemigo mostró ataque, hace +1 daño. Esto no es solo un numerito; es una filosofía. El Guerrero no quiere pelear “a ver qué sale”. Quiere leer intención, oler la violencia en el aire y castigarla. Mecánicamente, te recompensa por no jugar en piloto automático: mirar lo que el enemigo anuncia y responder con hierro.
BLOQUEO es su hermano serio. Reacción, reduce daño. No te da gloria, pero te compra lo único que a veces vale más que la gloria: un turno más con vida. Y además sirve para algo muy deckbuilder: al reducir daño, te evita entrar en espirales de desgaste que luego te obligan a gastar acciones curándote o a atascar tu mazo con estados. Bloqueo es el “vale, sigo aquí” que mantiene tu plan funcionando.
Luego llega ARREBATO, que ya es puro temperamento. Inflige más daño y, si el enemigo venía en modo ataque, encima te deja robar. Eso es importantísimo para el deckbuilding porque robar no es solo “más opciones”: robar es ver antes tus cartas buenas, ciclar, encontrar la respuesta adecuada, acelerar el ritmo. Arrebato te dice: “si el enemigo se ha puesto chulo, tú no solo le pegas más… además te activas”. Es una carta que convierte la agresión del rival en combustible.
INTIMIDACIÓN es el punto donde el Guerrero demuestra que no es un saco de músculos. Aquí aparece el juego mental: Prueba de voluntad; si tienes éxito, ruptura (descartas la carta del enemigo en juego antes de resolverla). Si fallas, ganas fatiga. Es una apuesta preciosa porque introduce algo muy hiborio: el poder no siempre es acero; a veces es presencia. Mecánicamente, te ofrece un “counter” potentísimo (romper la carta enemiga antes de que te caiga encima), pero te exige pagar con riesgo: fallas y te comes fatiga, que luego te ensucia el mazo y te condiciona turnos futuros. Esto es deckbuilding con dientes: no es una carta “gratis”; es una carta que te obliga a decidir si hoy quieres ser valiente o sensato.
Y después está RESISTENCIA, que en un juego de aventuras vale oro. Reacción: cuando fueras a ganar un estado leve (fatiga, sangrado, frío, sed…), puedes descartar esta carta para ignorarlo. Aquí la identidad del Guerrero se vuelve clarísima: el mundo no te mata solo con espadas; te mata con cosas pequeñas acumuladas. Resistencia es la carta que te permite decir: “no me voy a desmoronar por una gota más”. Y, de nuevo, deckbuilding puro: cuando ignoras un estado leve, estás evitando que entre basura en tu flujo, evitando “manos muertas” y ganando regularidad.
Hasta aquí, el arquetipo: herramientas que pegan, herramientas que aguantan, herramientas que castigan al enemigo cuando se delata, y un par de piezas que te permiten jugar a ese ajedrez salvaje de riesgo vs. control.
¿Y las otras dos cartas? Las exclusivas del personaje elegido son la guinda que convierte “Guerrero” en “este Guerrero”. En términos de diseño, cumplen dos funciones muy claras:

1. Te dan un pivote de identidad desde el turno 1. Aunque todos los Guerreros compartan base, esas dos cartas hacen que no se sienta igual llevar a un personaje más técnico, otro más brutal, otro más táctico o más temerario.
   
2. Te señalan una dirección de construcción. En deckbuilding es importantísimo que el juego te susurre “por aquí”. Las cartas exclusivas hacen justo eso: te empujan a mejorar el mazo en una línea coherente, a buscar sinergias, a priorizar ciertas compras, a valorar distinto el botín o las mejoras de ciudad.
   

A partir de ahí, el mazo deja de ser “el que te dieron” y pasa a ser “el que te ganaste”. En los enclaves podrás mejorar, comprar, afinar; en la aventura encontrarás recompensas, cartas nuevas, estados y cicatrices; y cada vez que metas o quites una carta en el mazo, estarás cambiando tus probabilidades y tu estilo real de juego. Un Guerrero que mete más robo y más ruptura empieza a sentirse como un cazador de aperturas; uno que mete más mitigación y limpieza de estados se convierte en un muro; uno que mete más daño directo y efectos de “si el enemigo ataca” acaba jugando a provocar el ataque para cobrárselo con intereses.
Lo mejor es que, con un mazo inicial de 10, notas esos cambios casi de inmediato. Metes dos cartas nuevas y ya estás alterando el “ecosistema” de tu mano. Y ahí es donde el juego se pone bonito: cuando te das cuenta de que tu personaje no “sube de nivel” porque sí, sino porque tu baraja cuenta la historia de lo que has hecho para seguir vivo.
La primera vez que te salga Intimidación con el enemigo enseñando los dientes, y tengas que decidir si le rompes la jugada o aceptas el golpe y guardas la carta para más adelante, ya estás jugando a Hiboria en serio: no a “ganar”, sino a elegir qué tipo de superviviente vas a ser hoy.

Otro día hablaré de los iconos de bíceps y cerebro que podéis ver en la parte superior izquierda de la caja de texto.

​¡Un saludo cimerio!

Había una petición que se repetía con la constancia de una maldición estigia: “David, deja que Conan sea Conan… pero déjanos jugarlo de más de una manera”. Y, honestamente, tiene todo el sentido del mundo. Conan no es un “rol” cerrado: es un animal narrativo. A veces entra por la puerta principal con una espada; a veces entra por la ventana con una sonrisa torcida; a veces cruza medio continente porque alguien dijo “allí hay una cosa antigua” y eso ya le parece un plan perfecto. Esa elasticidad está en su ADN: “ladrón, vagabundo, asesino implacable…” y, a la vez, alguien capaz de pisotear tronos como si fueran barro seco.

Así que sí: por petición popular (y porque nos gusta que el juego responda a cómo la gente imagina Hiboria), Conan va a ser un héroe que puede encajar en cualquiera de los 4 arquetipos del sistema. No es “multiclase por postureo”, es “multiclase porque si no, no es Conan”. Y para que eso no sea una frase bonita sino una decisión de diseño con dientes, el juego contará con cuatro versiones distintas del tarjetón de Conan. Cuatro Conan. El mismo cimmerio, cuatro lecturas jugables.

La clave es que no voy “cambiarle el nombre a las casillas”. Cada tarjetón viene con su propio enfoque real: distribución de atributos, una habilidad central, un paquete de equipo/recursos iniciales, y un ritmo de progresión que favorece un estilo de juego. En un sandbox como Sangre y acero en Hiboria, donde el mapa es un tablero vivo y la aventura se cocina en macrozonas, crisis y rumores, el “cómo” juegas importa tanto como el “qué” haces.

¿Qué cambia, entonces, en la práctica? Un Conan puede empujar hacia el arquetipo que vive del choque frontal: menos florituras, más “yo me encargo”. Ese tarjetón está pensado para que el combate sea una herramienta fiable, no una ruleta rusa emocional. Otro Conan encaja mejor en el arquetipo de la ciudad y la sombra: el que convierte un enclave en un tablero de ajedrez sucio, negocia, roba, desaparece, y sale con la bolsa llena y la reputación ligeramente peor. Y también está el Conan que brilla cuando Hiboria se pone fea de verdad: supervivencia, travesía, decisiones de desgaste, macrozonas duras. Porque sí, en el reglamento ya he dejado claro que el mundo te cobra los viajes con intereses… y Conan, por tradición, suele pagar con una carcajada y una cicatriz nueva. La cuarta versión mira al Conan Pirata: el que no solo pelea, sino que toma el timón (a veces de un barco, a veces de una situación que ya venía hundiéndose). Mando, intimidación, carisma brutal (que no es lo mismo que caer bien) y esa habilidad tan suya de mirar el desastre y decidir: “perfecto, entonces lo convertimos en botín”. En la biografía clásica de Conan, su vida es un cambio constante de piel: de saqueador a mercenario, de forajido a capitán, de superviviente a rey; no por capricho, sino porque el mundo cambia y él cambia más rápido.

Y ahora viene la parte bonita para quien disfruta el juego también como objeto: cada uno de esos tarjetones tendrá una ilustración distinta de Conan, relacionada con el arquetipo. 

• Guerrero: presencia de campo de batalla; peso, amenaza, decisión simple y eficaz.
  
• Ladrón: criatura de callejón; mirada rápida, manos ocupadas, ciudad que muerde.
  
• Explorador: caminante de fronteras; clima hostil, ruina antigua, el mundo recordándote que eres carne.
  
• Pirata: capitán de mala reputación; sal, viento y hierro, con esa sonrisa de “si esto sale mal, saldrá legendario”.

Esto también resuelve algo muy práctico: Conan deja de ser “el héroe obligatorio” para convertirse en “tu Conan”. Además, hay una consecuencia colateral deliciosa: al multiplicar los “Conan posibles”, multiplicas las decisiones interesantes sin tocar la esencia. No necesitas inventarte un Conan mago de rayos (tranquilidad para la comunidad, el cosmos sigue en su sitio). Solo necesitas aceptar lo obvio: Conan cambia de máscara según el escenario. Hay relatos donde lo vemos lidiar con lo sobrenatural con la misma mezcla de rabia, instinto y mala gana que con los humanos, y esa mezcla también se traduce bien a mesa

Así que sí: cuatro tarjetones. Cuatro ilustraciones. Cuatro maneras de jugar a Conan sin dejar de jugar a Conan. Hiboria es enorme y tiene hambre; Conan, como siempre, llega sin pedir permiso.

¡Un saludo cimerio!

En 1932 un señor muy harto de la civilización se inventó a Conan para decirle al mundo que a veces lo mejor que puede hacer uno con una ciudad es saquearla y marcharse. Décadas después seguimos enganchados a la misma fantasía: meter un bruto carismático en una urbe podrida, agitar fuerte y ver quién queda en pie. La bestia del norte – La ciudad de las mentiras entra de cabeza en esa tradición y básicamente te dice: “sí, conoces este rollo… pero míralo, qué bonito está dibujado”.

Aquí tenemos a un bárbaro del norte que llega a la ciudad de Hud-Hund Engaun con un plan vital maravilloso: ganar dinero haciendo exactamente lo que mejor se le da, o sea, cortar cosas. Nada de introspección, ni trauma infantil, ni búsqueda de sí mismo; lo suyo son los encargos bien pagados y las amenazas convincentes. En cuanto pisa la ciudad, lo ficha el patriarca de uno de los clanes de ladrones locales, que suelta la misión clásica de manual: “mi hija ha sido secuestrada, rescátala y cobra”. Todos sabemos que en una ciudad llamada “de las mentiras” eso no puede acabar bien, pero el protagonista oye “pasta” y adelante.

La idea de Óscar Martín con el guion es clara: coger la estructura más vieja del pulp de espada y brujería y usarla sin pedir perdón. Bárbaro foráneo, urbe decadente, noche de encargos turbios, hostias como panes y un entramado de mafias, sectas y gente que no te diría la verdad ni aunque le fueras a clavar la espada igual. La gracia no está en sorprenderte con un giro que te cambie la vida; está en cómo se pasea al protagonista por los distintos rincones de la ciudad. Hud-Hund Engaun es un personaje más, una especie de laberinto húmedo y apestoso donde cada puerta que se abre trae problemas y algo de sangre.

Martín viene de jugar en terrenos igual de poco amables con Solo, así que lo de mezclar violencia bestia con cierto cariño por los personajes lo tiene dominado. Este bárbaro suyo no es un héroe sufrido al estilo Disney live action; es un tipo que, si puede, cobra por adelantado. Pero tampoco es un trozo de carne con espada: se intuye ese punto de “sé perfectamente que todo el mundo aquí es basura, pero hay peores que yo”. Y el silencio moral que hay en esas historias, ese “nadie es bueno, así que haz lo que puedas”, Martín lo maneja con mucho oficio.

El encargo de la hija secuestrada es la típica zanahoria que te usan para entrar en la trama y luego te la lanzan a la cara. Ese personaje, si el cómic se toma en serio el subtítulo de La ciudad de las mentiras, tiene pinta de ser algo más que “princesa en apuros con escote estratégico”. Al menos ésa es la sensación: que Martín va a jugar con las expectativas para que el bárbaro descubra, paso a paso, que la historia que le han contado es una versión muy editada de la realidad. A poco que la cosa se incline hacia ahí, el tebeo gana mala leche y se vuelve mucho más divertido.

Ahora bien, donde la cosa se dispara es en el dibujo de Leonel Castellani. La portada ya es toda una declaración: un jinete envuelto en capas imposibles, caballo en pleno galope, luna gigante devorando el cielo y una ciudad al fondo que parece una mezcla de Bagdad fantástico y pesadilla arquitectónica. Castellani viene del mundo de la animación y se le nota en todo: figuras cartoon pero musculadas, movimientos exagerados, poses que parecen congeladas en mitad de un fotograma. Es como si alguien hubiera dicho: “¿y si el bárbaro no fuera un tío deprimente y ultrarrealista, sino un personaje con expresividad de dibujo animado… pero rodeado de violencia muy seria?”.

La línea es gruesa, nerviosa, muy segura de sí misma. El caballo parece que va a arrollar al lector. Los pliegues de las capas están a medio camino entre Frazetta y una peli de Disney en la que, por error, han dejado entrar cuchilladas y desmembramientos. Ese contraste hace que el tebeo tenga una personalidad rara pero muy atractiva: no es grimdark de póster de heavy melancólico, pero tampoco es infantil. Es violencia pulp con una sonrisa torcida.

El color remata la jugada. Azules fríos y morados recubren al protagonista, mientras la ciudad se hunde en ocres y naranjas sucios. El norte del que viene el tipo es hielo y sombra; la ciudad es un horno de corrupción. No hace falta que nadie lo diga en un bocadillo: lo ves en la primera página y lo entiendes. En formato álbum grande, con 72 páginas a color, todo esto está pensado para que abras el tomo y cada dos hojas tengas una ilustración que podrías colgar en la pared si no estuvieras ocupando ya todo el espacio con otros cómics.

La narrativa de Castellani no se limita a posar. Sus páginas están llenas de diagonales, encuadres abiertos para enseñarte la arquitectura y luego primeros planos con expresiones muy marcadas. Cuando la cosa se pone violenta, la acción fluye; cuando toca que la ciudad te dé mala espina, se recrea en la suciedad, en los callejones estrechos, en los interiores llenos de sombras. Es ese tipo de dibujo que parece ligero y “cartoon” pero que exige bastante control para que no se convierta en un caos.

La edición, además, viene con mimo. Ominiky no suele sacar cosas de compromiso, y con Óscar Martín ya tienen historial de tratar sus obras con cariño. Tapa dura, tamaño generoso, papel que aguante el festival de color sin que parezca fotocopia de bar de carretera. Todo muy pensado para el lector que disfruta tanto pasando página como poniéndose a oler el papel como un sommelier del cómic, que sabemos que los hay.

¿Es esto la reinvención absoluta de la fantasía heroica? No. Ni lo pretende. Aquí no vas a encontrar una tesis sobre la lucha de clases disfrazada de dragones ni metáforas ultra sutiles sobre el neoliberalismo. Lo que propone La bestia del norte – La ciudad de las mentiras es algo mucho más honesto: volver al viejo ritual del bárbaro en la ciudad corrupta, pero hacerlo con energía, con ritmo, con personajes canallas y con un dibujo que entra por los ojos como un hachazo.

Si te criaste leyendo Conan, Elric, Lankhmar y compañía, esto te va a sonar familiar, sí, pero también te hará pensar “ojalá muchos de aquellos tebeos se vieran así de bien”. Y si no tienes bagaje con el género, igual descubres de golpe por qué tantos autores siguen volviendo una y otra vez a la misma fantasía: poner a una fuerza de la naturaleza en medio del engranaje podrido de una ciudad y ver cómo todo se descoyunta.

Si buscas un cómic para meditar sobre el sentido de la vida, pasa página. Si quieres ver a un bárbaro muy expresivo atravesando una ciudad de mentirosos mientras el cielo arde en colores imposibles, éste es tu veneno. De lo mejor de Conan que habrás podido leer últimamente.

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​¡Un saludo cimerio!